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Por tercer año consecutivo y con una afluencia internacional de más de 14 países diferentes en las dos ediciones anteriores, Yamaha convoca este certamen en el que pueden participar cuartetos de saxofones
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De padre alemán y madre irlandesa, El saxofonista Paul Desmond, recibió las primeras nociones de música de manos de su padre, que durante cierto tiempo había estado tocando el órgano en un cine mudo para acompañar las escenas de las películas y más tarde hizo de arreglista para orquestas de baile.
Desmond estudió en el San Francisco Polytechnic y en el State College donde consiguió diplomarse en el clarinete, un instrumento que siempre la había fascinado. Fue en 1950 cuando decidió adoptar el saxo alto como su instrumento definitivo y con el que tuvo sus primeros escarceos con la música profesional en el seno del grupo de Jack Fina.
Influenciado por el maestro, Johnny Hodges y sobre todo por el sonido del saxo de Pete Brown, saltó a la diez años mas tarde cuando el pianista, Dave Brubeck, con quien permaneció la friolera de diecisiete años y al que conocía desde 1943, lo llamó para formar parte en 1951 de su cuarteto. En ese grupo, Paul Desmond era el músico con mas talento de todos y contribuyó esencialmente en el éxito del combo con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck, especialmente en el extraordinario tema: “Take Five” para Columbia grabado en el año 1962 con el álbum “Time Out” fue extraordinaria y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del cuarteto de Brubeck. Fuera del contexto del grupo de Brubeck, Paul Desmond grabó, no sin cierto disgusto de Brubeck, algunos discos extraordinarios con el saxo barítono, Gerry Mulligan, y con el guitarrista, Jim Hall. también grabó varios discos a su nombre fundamentalmente cuando se disolvió el cuarteto.
En los setenta, Paul Desmond casi desaparece de la escena musical del jazz debido a sus endémicos ataques de pereza, sus problemas con el alcohol y también por la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que le quitaría la vida: un cáncer de pulmón. En 1972 reaparece efímeramente al lado de Dave Brubeck en el Festival de jazz de Newport. Decidió escribir su propia autobiografía pero otra vez la pereza le impidió pasar del primer capitulo. En 1974 se instala en el famoso “Half Note” de New York con su propio cuarteto donde noche tras noche deleitaba a sus numerosos seguidores.
Saxofonista infravalorado hasta hace muy poco, hoy la critica le reconoce lo que le negó en vida: ser uno de los grandes músicos de jazz de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos y un maestro en el arte de la improvisación, siendo su sonido reconocible desde las primeras notas.
Dotado de un fino humor, (el seudónimo de Desmond, lo buscó en una guía de teléfono), dejó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley’s y especificó en su testamento que su cuerpo fuese cremado porque, textualmente, no quería ser un monumento camino del aeropuerto. En New York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios.
[1930] Ornette Coleman soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas.
En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: “Free Jazz” grabado para Atlantic.
Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado “The Shape of Jazz to Come” contiene precisamente una excepcional balada titulada, “Lonely Woman” que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón.
Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.
A comienzos de los setenta, Coleman entró en la segunda mitad de su carrera. Formó un doble cuarteto compuesto por dos guitarras, dos bajos eléctricos, dos baterías y su propio saxo alto. El grupo, llamado “Prime Time”, produjo una música densa, ruidosa y frecuentemente ingeniosa; todos sus miembros parecían tener un estatus similar, aunque Coleman tenía un papel más relevante. Coleman llamaba a su música harmolodics, simbolizando con ello la similar importancia que tenía en ella lo armónico, lo melódico y lo rítmico. Técnicamente, se la ha calificado de free funk. Entre sus acompañantes en el grupo estuvieron el batería Ronald Shannon Jackson y el bajo Jamaaladeen Tacuma, además de su hijo Denardo.
Prime Time fue una gran influencia para la música del grupo M-Base de Steve Coleman y Greg Osby. Pat Metheny (un constante admirador de Coleman) colaboró con él en Song X, Jerry Garcia tocó como tercera guitarra en una grabación y Ornette se reunió ocasionalmente con los miembros de su cuarteto original durante los años ochenta.
Comenzó de la mano de su hermano Nat Adderley en la banda de Lionel Hampton. En el año 1957 se une al quinteto de Miles Davis y junto con la banda participa en grabaciones extraordinarias como “Kind of blue” y “Milestones”.
En 1959 se separa de la banda de Davis y comienza a liderar sus propias bandas. Durante los años 1960 realiza varias producciones que son clara referencia de su trabajo como el famoso “Mercy, mercy, mercy”. Adderley, fue uno de los músicos más claros y expresivo de su generación y fue una figura extremadamente popular hasta su muerte, acaecida en 1975 a causa de un infarto.
Julián “Cannonball” Adderley, nació en Tampa (Florida), en 1928. Sus primeros comienzos con la música fueron cuando cursaba estudios en el instituto de su ciudad donde aprendió a tocar el saxofón alto. Dirigió varias orquestas estudiantiles en Fort Lauderdale antes de ingresar en el servicio militar.
En 1955, decidió unirse a su hermano, el cornetista, Nat Adderley que ya era músico profesional en la orquesta de Lionel Hamptom. Pocas semanas después, consiguió un trabajo con Oscar Pettiford y un contrato para grabar con la discográfica Savoy. Ese fue el embrión de su quinteto con su hermano que sin éxito se disolvió poco después. En el otoño de 1957, Julián “Cannonball” Adderley, se unió al quinteto de Miles Davis en lo que fue un paso decisivo y trascendental en su carrera. El quinteto de Miles, se convirtió rápidamente en sexteto, tras la incorporación del saxofonista tenor, John Coltrane. En aquella época, Cannonball, graba varios discos de referencia absoluta con el grupo de Miles, entre ellos la obra maestra absoluta: “Kind Of Blue“.
Ya en 1959, Adderley abandona el grupo de Miles Davis, y vuelve junto a su hermano, Nat,, a formar otro quinteto y como instrumentista destacado, incorpora al pianista, Bobby Timmons, un músico clave para el desarrollo del quinteto y que aportó con sus composiciones, la marca de fábrica del llamado soul-jazz, que aupó al estrellato al grupo. Esta formación en quinteto, ampliado ocasionalmente a sexteto con las incorporaciones de Charles Lloyd y Yusef Lateef, fue el vehículo fundamental para la música de Julián Adderley para el resto de su vida.
En 1967, grabó uno de sus discos de referencia absoluta, titulado: “Mercy, Mercy, Mercy”. Se convirtió durante la década de los setenta en un cazatalentos para los sellos: Riverside y Columbia, incorporando a Riverside, al entonces guitarrista desconocido, Wes Montgomery, y también forzó a Columbia a contratar al genial pianista, Bud Powell.
Julián “Cannonball” Adderley, fue uno de los músicos más claros y expresivo de su generación y fue una figura extremadamente popular hasta su muerte, acaecida en 1975 a causa de un infarto.
Nacido en una familia de fuerte inclinación musical, su padre era saxofonista, y su madre cantaba gospel en el coro de la Iglesia, el saxofonista, Grover Washington Jr, cursó en la adolescencia estudios de piano y continuó su formación en los grupos de rhythm and blues y en los tríos de órgano de los sesenta. Su relación con el jazz se inicio con los organistas, y en especial con John Hammond, con quien grabaría el disco: “Breakout“, que le abrió las puertas de la fama.
Después de pertenecer al grupo de Billy Cobham “Jazz Interactions”, grabó con otro organista, Charles Earland, y se inició como líder en los estudios de grabación con el álbum: “Inner City blues” grabado en 1971, para la serie de jazz del legendario sello “Motown“; una sesión programada en principio para su maestro Hank Crawford.
Aunque no fue hasta 1980 cuando alcanzo su máxima expresión artística con el disco grabado para el sello Elektra titulado: “Winelight“, un álbum de fusión explícita que además mereció un doble premio Grammy.
Sus influencias fueron los saxofonistas clásicos de jazz, aunque su estilo, basado en una sonoridad cálida y un fraseo melódico y vehemente buscaba apoyo de ritmos obsesivos fácil de escuchar y de clara vocación bailable. Contribuyó a divulgar, a su manera, ciertos rasgos del jazz que aprovecharon también con menos fortuna, músicos como Kenny Garret.
Su alejamiento progresivo de los ámbitos del jazz, para dedicarse a una producción mas comercial, le restó atención en los círculos especializados del jazz y también fue olvidado por los aficionados, que veían como su música derivaba hacia otra cosa.
Falleció en 1999 de un ataque cardiaco después de grabar para un programa de la CBS.
Estudió clarinete en el Conservatorio Municipal de Rosario desde 1945 (a los 9 años de edad) hasta 1950. Luego continuó sus estudios de clarinete con el profesor Juan Grisiglione hasta 1955.
En 1955, a los 19 años, comenzó a trabajar profesionalmente con la orquesta de Héctor Lagna Fietta.
En el año 1956 se conectó con los músicos de jazz de Buenos Aires que asiduamente concurrían al entonces famoso Bop Club Argentino: “Chivo” Borraro, Leandro “Gato” Barbieri, Lalo Schifrin, Baby López Fürst, Pichi Mazzei, Jorge López Ruiz y muchos más con quienes integró distintos grupos y orquestas como la de L. Schifrin, Buby Lavecchia, Pocho Gatti, etc.
En 1957 acompañó a Edith Piaf y luego a Nat “King” Cole y pasó a integrar durante un tiempo la orquesta de Xavier Cugat, con quien viajó por Sudamérica, visitando Chile, Perú, Ecuador, Colombia y Venezuela.
En la década del ’50 Hugo Pierre hizo su debut como saxofonista en una orquesta sinfónica. Fue cuando Arthur Fiedler dirigió la Orquesta Filarmónica de la ciudad de Buenos Aires, interpretando la suite de “Porgy and Bess” de George Gershwin. A partir de entonces hasta la fecha, ha integrado eventualmente la Orquesta Filarmónica de la ciudad de Buenos Aires, la Orquesta Estable del Teatro Colón y la Orquesta Sinfónica Nacional, tocando clarinete, saxos alto, tenor y soprano.
Siendo miembro, durante 17 años, de la orquesta estable del Canal 13 de Buenos Aires; acompañó a famosos cantantes argentinos e internacionales como Libertad Lamarque, Roberto Goyeneche, Tony Bennett y muchos otros más.
También ha actuado tocando clarinete y saxo en diversos conjuntos de cámara como por ejemplo el Cuarteto Argentino de Saxofones y también en conjuntos de la Agrupación Nueva Música, Jóvenes Compositores, Fundación San Telmo (con Gerardo Gandini, Martín Tow, Haydeé Francia y Oscar Wilenski), etc. y realizó una gira por Estados Unidos, Asia y Australia tocando con el cantante español Julio Iglesias.
En 1986 nació el dúo Gandini – Pierre, un dúo que de manera informal ya había hecho su debut en 1982. Con este dúo actuó por dos años consecutivos en el Teatro San Martín de Buenos Aires y en el Teatro Payró. Grabaron un disco llamado “Sólo Gershwin”.
En junio de 1988 debutó como integrante de La Banda Elástica en el “Teatro Cervantes”. Las actuaciones con este grupo incluyen temporadas en el “Teatro Lorange”, “Blanca Podestá”, y “del Globo” (1989, 1990 y 1991) y en la ciudad de Mar del Plata en los teatros “De las Estrellas” (1989) y “Colón” (1990).
La Banda Elástica realizó además presentaciones en el interior del país y en países limítrofes (Brasil, Paraguay y Uruguay).
En 1996 formó el Cuarteto de Saxofones Hugo Pierre, realizando recitales en la Ciudad de Buenos Aires y en el interior de Argentina.
Confeccionó el programa de estudios de la cátedra de Jazz de la Escuela de Música Popular de la Provincia de Buenos Aires. Desde 1987 hasta 1996 fue profesor de la cátedra de saxo del Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Bouchardo”. Desde 1988 está a cargo de la cátedra de clarinete en la Universidad Católica Argentina.
En noviembre de 1997 ha sido nombrado miembro titular de la ACADEMIA ARGENTINA DE MÚSICA en reconocimiento a su dilatada y destacada labor como intérprete y docente. Actualmente continúa su labor como docente en el ámbito privado y como solista de jazz.
A principios de 1999 forma el dúo Cirigliano-Pierre. Actuaron ese año en los Teatros del Sur, Asociación Bancaria, Centro de Divulgación Musical de la Ciudad de Buenos Aires (C.D.M.), Argenta Towers, Clark’s, Centro Cultural Borges y El Gato Negro.
En el año 2000 tocaron en “Notorious” desde el mes de febrero hasta el mes de julio inclusive. Fueron luego invitados a participar del Festival Internacional de Jazz en los Siete Lagos organizado por la Secretaría de Cultura de Presidencia de la Nación Argentina, realizado en Bariloche y San Martín de los Andes en el mes de octubre de ese mismo año.
En el 2001 se editó el primer CD del dúo: “Música Maestros”. En ese mismo año Hugo Pierre comenzó a trabajar también con el conocido grupo de música latinoamericana “Anacrusa”.
Durante los años 2001 y 2002, el dúo ha participado en varios eventos organizados por el Centro de Divulgación Musical de la Ciudad de Buenos Aires (C.D.M.) en teatros municipales como Babilonia y otros. También actuaron en el conocido Café Concert “Clásica y Moderna” , “Café Borges”, “Notorious” , Teatro San Martín (Ciclo Jazzología) , La Manufacturera Papelera, El Colegio de Abogados, Radio Nacional , SADAIC y Festival de Jazz de Rosario, organizado por la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de esa ciudad. En esa oportunidad Hugo Pierre recibió un premio a su trayectoria musical (otorgado por La Municipalidad de la ciudad de Rosario y el Sindicato de Músicos de dicha ciudad).
En el 2003, el dúo Cirigliano – Pierre grabó su segundo CD: “Memories of you” con la colaboración en bajo de Juan Pablo Navarro y Adolfo Cirigliano en batería. Este segundo CD fue presentado al público en la sala A B del Centro Cultural San Martín de la ciudad de Buenos Aires, en el ciclo “Jazzología” de Carlos Inzillo el 27 de abril de 2004.
En junio de 2004 debutó “La Gran Banda”, dirigida por el pianista Jorge Navarro, en el teatro Margarita Xirgu de Capital Federal. Lo que se planeó para un mes de actuación, tuvo tanto suceso que la banda debió prolongar su actuación por tres meses más (desde fines de junio hasta fines de octubre) Integrada por grandes y conocidos músicos de jazz, Pierre lideró el quinteto de saxos teniendo como compañeros de team a Enrique Varela, Arturo Schneider, Oscar Tissera y Mariano Grisiglione.
En el mes de abril de 2005 Pierre integra la Chicago Jazz Band actuando nuevamente en el Teatro Margarita Xirgu liderando nuevamente el quinteto de saxos. En Junio 9 y 11 se presentará en Bormes Les Mimosas y Pierrefeu, Francia, actuando como solista acompañado por una big band francesa en la celebración del centenario de Vandoren, la firma más importante en la fabricación de lengüetas y boquillas en el mercado mundial.
